Dalla mente al suono: Jinjé rivela il suo processo creativo

Conosciuto per la sua capacità di mescolare elementi sonori provenienti da mondi diversi, Jinjé è un artista che va oltre le convenzioni musicali.

Attraverso la sperimentazione e l'approfondita ricerca sonora, ha definito uno stile distintivo che si distingue per la sua versatilità e innovazione. Nell'intervista a seguire, Jinjé, aka Lee J Malcolm, condividerà la sua filosofia creativa, sottolineando l'importanza dell'improvvisazione controllata e della ricerca dell'ispirazione attraverso l'uso di strumenti come il sintetizzatore modulare.

Oltre alla sua carriera solista, è coinvolto in progetti collaborativi e nella creazione di spettacoli live A/V che espandono i confini dell'espressione artistica. Con uno sguardo al futuro, continuerà a esplorare nuovi territori musicali, sfruttando le opportunità offerte dalle tecnologie emergenti e dai suoni tradizionali provenienti da tutto il mondo. La sua passione per l'esplorazione sonora e la dedizione all'innovazione lo pongono come una figura prominente nell'ambito della musica elettronica contemporanea.

Ciao, benvenuto. Hai sperimentato una vasta gamma di stili, dalle atmosfere dettagliate ai ritmi elettronici e al massimalismo. Come hai bilanciato sperimentazione e coerenza nel tuo ultimo EP?

Penso che l'equilibrio derivi dal mio approccio, che consiste nel trattare la creazione musicale come un puzzle di cui sono responsabile dei parametri. Invece di ideare un concetto specifico, preferisco trovare un suono che mi ispiri e lasciare che questo guidi le mie decisioni. Da lì è solo una questione di divertirsi e improvvisare, poi eliminare ciò che non è necessario. Ho imparato ad essere piuttosto disciplinato nel scartare suoni o sezioni, concentrandomi su ciò che rende il brano buono e poi esplorando quell'idea con la giusta quantità di sfumature di supporto.

Spesso inizio con il sintetizzatore modulare e vedo cosa succede. È generalmente una grande fonte di ispirazione e mi consente di avere un flusso di creatività non artificioso a causa della natura dell'interfaccia.

Mi proporrà cose che non mi aspetto, sia buone che cattive, ma quando è buono salto subito e inizio a registrare.

I tuoi brani sembrano raccontare storie sonore uniche. Come intrecci le emozioni personali nella tua musica, e quali sfide affronti nel tradurre sentimenti personali in un linguaggio accessibile e coinvolgente?

Cerco di inserire più punti di espressione con qualsiasi strumento con cui sto lavorando, in modo che io possa eseguire e cavalcare l'energia che sento. È importante cogliere questo fin dall'inizio affinché sia fresco quanto possibile. A volte, cercare di registrare una performance più e più volte può degradare la performance dell'espressione o il nocciolo dell'idea. La cosa principale è dedicare tempo alla progettazione del suono all'inizio in modo da avere un patch molto espressivo con cui posso suonare. Spesso riesco a sentire il resto della musica nella mia testa, quindi quando registro sto rispondendo a quello con l'ascesa e la caduta, la luce e l'ombra. Potrebbe essere una jam di 20 minuti o potrebbe essere proprio della giusta lunghezza. Quando sono fortunato, tutto ciò che devo fare è supportare la registrazione con appena abbastanza per farla funzionare. Un kick, un hi-hat, un clap, forse alcune texture di transizione. Intaglio molto. È facile avere troppo rumore.

Un'altra parte del mio processo è registrare strumenti dal vivo. Ho sacchi di maracas e vari tamburi a mano, percussioni accordate, blocchi, mbira, balafon, batteria, chitarre, pianoforte verticale, un po' di tutto davvero.

Ho una conoscenza pratica di questi strumenti quindi mi ritrovo sempre a raggiungerli per aggiungere personalità umana al mix.

The Wish You Wish You Made presenta una fusione di elementi provenienti da mondi diversi. Come concepisci l'identità di un brano, puntando a superare le convenzioni e creare qualcosa di veramente unico?

È tutto una questione di sperimentazione e di darmi abbastanza tempo e spazio per esplorare. Un po' di pazienza e il suono e/o il riff verranno. Nel caso de The Wish You Wish You Made è venuto dal materiale melodico in cui sono inciampato attraverso il modulare. È il momento in cui posso sentire tutta l'altra musica nella mia testa intorno a ciò che sto sentendo attraverso le mie orecchie che so che è giusto e vale la pena catturare. Sento che questo è un modo di autoregolamentarsi o di curare in modo che non torni sui vecchi passi. Almeno non troppo. Ovviamente ho un'estetica verso cui inclino, come tutti noi, ma cerco di andare avanti e spingere fuori dalla mia zona di comfort il più possibile. Imparare a suonare un nuovo strumento o interfaccia certamente aiuta.

"Escape from Luna": qual è il tuo rapporto con l'altrove e lo spazio?

Sono abbastanza convinto che ci sia molto di più là fuori e molto probabilmente qui sotto di quanto le persone non si rendano conto. Sfortunatamente molte delle cose che mi interessano vengono messe insieme con la teoria della cospirazione, ma non mi preoccupo di questo.

Le menti chiuse sono difficili da aprire e certamente non ho il tempo di aprirle. Sono interessato ai testimoni credibili che hanno visto o sperimentato UFO/UAP come i numerosi whistleblower militari che sono venuti avanti e hanno portato luce sull'argomento.

Vi sono migliaia di avvistamenti in tutto il mondo. I resoconti e le raffigurazioni nella nostra storia e nella nostra arte. È una passione da oltre due decenni e sono più convinto ora di quanto non fossi mai stato. Mi riempie di meraviglia riguardo alla natura dell'esistenza e al nostro futuro come specie. Spero davvero che un giorno supereremo le nostre differenze, unendoci nell'esplorazione pacifica dello spazio interiore e esteriore.

Come musicista con una visione così ampia, come affronti la produzione musicale nel contesto delle tecnologie e delle tendenze musicali in rapida evoluzione? Come integri l'innovazione senza compromettere la tua visione artistica?

Penso che alla fine si tratti di avere o riconoscere la propria narrazione. Se è abbastanza forte dovrebbe prevalere su tutto. La cosa sulla tecnologia musicale è che non c'è così tanto che è veramente innovativo. Sembra che una grande parte dell'innovazione sia focalizzata su come fare musica se hai poca abilità musicale. Penso che sia un'arma a doppio taglio. Non sto dicendo che queste persone non dovrebbero essere in grado di esprimersi a meno che non imparino effettivamente a suonare uno strumento o qualcosa del genere, ci sono stati così tanti album fantastici prodotti da persone che probabilmente non sanno suonare una nota. Tuttavia, sto dicendo che il mercato sembra indulgere nel fare musica solo cliccando su pulsanti che fanno tutto per te. Generatori di accordi. Pacchetti Midi. Loop, ritmi e librerie di campioni a non finire.

Mi chiedo se ci smarriamo in tutta questa tecnologia e perdiamo di vista il viaggio e la lotta. Tutti vogliono gratificazione istantanea. Per me non c'è verità in questo. Non c'è crescita. Solo una sorta di pseudo-validazione che alla fine non conta nulla.

Detto questo, cerco di attenermi agli strumenti e all'hardware. Deve esserci una sfida per me. Usando limitazioni creo un rompicapo che devo risolvere. Penso che sia per questo che finisco i brani. Il mio cervello ossessivo-compulsivo non lascia andare il problema finché non è risolto. Le innovazioni nella tecnologia mi interessano solo quando offrono una nuova interfaccia di espressione combinata con un suono veramente nuovo. Penso che sia per questo che mi identifico così tanto con il modulare, perché posso costruire la mia interfaccia e creare rapidamente parametri/limitazioni con cui lavorare.

I tuoi brani sembrano navigare tra atmosfere luminose e oscurità soniche. Come giochi con questo contrasto tra luce e ombra per creare un'esperienza unica nelle tue composizioni?

Tensione e rilascio. Penso che suonare post-rock nei primi giorni della mia vecchia band Vessels e ascoltare gruppi come Mogwai, Mono, This Will Destroy You, Explosions In The Sky ecc. abbiano molto a che fare con questo. Ti insegna come portare speranza dalla disperazione o un rilascio euforico dai bassifondi dell'oscurità. Non solo in termini di arrangiamento ma anche in timbro e nell'equilibrio delle frasi musicali. Non sono sicuro di farlo consapevolmente al giorno d'oggi.

Piuttosto sto cercando di eliminare i tratti analitici nel processo di scrittura e di lasciar avvenire un po' di associazione libera.

Mi preoccupo dell'arrangiamento più tardi ma se mi lascio andare, per così dire, sembra che racconti una storia senza doverci pensare troppo.

Guardando al futuro, come immagini che evolverà il tuo percorso artistico? Ci sono nuovi territori che desideri esplorare?

Ascolto molto meno musica elettronica in questi giorni, il che sta avendo un impatto positivo sulla mia scrittura. Traggo molto dalle sonorità, dai ritmi, dalle strutture melodiche e dai modelli timbrici tradizionali africani, indiani e sudamericani, ecc. Ho una nuova band chiamata 'A Brief Utopia' che ha pubblicato un EP l'anno scorso (uscito su Scene Unseen). Sono molto entusiasta anche per l'uscita dell'album quest'estate (uscito su Earthly Measures). Questo è sicuramente un ambito che voglio esplorare molto di più. Sia esteticamente ma anche suonare di nuovo dal vivo come musicista.

Sono fortunato ad avere intorno a me dei musicisti eccellenti e siamo tutti molto desiderosi di fare alcuni concerti più avanti quest'anno.

Per quanto riguarda la mia attuale produzione da solista, penso che continuerò a esplorare l'hardware e a puntare a più EP l'anno prossimo e un album dopo quello. Mi piacerebbe anche fare più connessioni e collaborazioni e spingere la mia piccola etichetta 'Making Friends'. Sto anche lavorando a uno spettacolo live A/V per 'Jinjé' molto ispirato a Max Cooper. Insieme ad Anthony di Mesh, è stato una grande fonte di ispirazione e sostegno negli ultimi due anni. Un saluto anche a Delay Grounds e Yaw Evans. Se non hai sentito la loro musica, dai un'occhiata.

Grazie.

ENGLISH VERSION

Known for his ability to blend sonic elements from different realms, Jinjé is an artist who transcends musical conventions.

Through experimentation and in-depth sonic exploration, he has defined a distinctive style known for its versatility and innovation. In the forthcoming interview, Jinjé will share his creative philosophy, emphasizing the importance of controlled improvisation and seeking inspiration through tools such as the modular synthesizer.

In addition to his solo career, he is involved in collaborative projects and the creation of live A/V performances that push the boundaries of artistic expression. Looking to the future, he will continue to explore new musical territories, leveraging the opportunities offered by emerging technologies and traditional sounds from around the world. His passion for sonic exploration and dedication to innovation position him as a prominent figure in the contemporary electronic music scene.

Hello, welcome. You experimented with a wide range of styles, from detailed atmospheres to electronic rhythms and maximalism. How did you balance experimentation with coherence in your last EP?

I think the balance comes from my approach, which is treating music making like a puzzle in which I’m responsible for the parameters. Instead of coming up with a specific concept, I prefer to find a sound that inspires me and let that inform my decision making. From there it’s a case of having fun and jamming it out, then carving away what I don’t need. I’ve learned to be quite disciplined about throwing away sounds or sections, focusing in on what makes the track good and then exploring that idea with the right amount of supportive flavours. Quite often I’ll start with the modular synth and just see what happens. It’s generally a great source of inspiration and allows me to have a non-contrived flow of creativity because of the nature of the interface. It will throw things back at me that I don’t expect, good and bad, but when it’s good I immediately jump on it and start recording.

Your tracks seem to tell unique sound stories. How do you weave personal emotions into your music, and what challenges do you face in translating personal feelings into an accessible and engaging language?

I try to patch in multiple points of expression with what ever machine I’m working with, so that I can perform and ride the energy I’m feeling. It’s important to catch this early on so that it’s as fresh as it can be. Sometimes trying to record a pass over and over again can degrade the performance of the expression or the crux of the idea. The main thing though is to spend time on the sound design at the front end so I have a really expressive patch I can perform with. Often I can hear the rest of the music in my head so when I’m recording I’m responding to that by the rise and fall, light and shade. It might be a 20 minute jam or it might be just about the right length. When I’m lucky all I have to do is support the take I’ve recorded with just enough to make it work. A kick, a hat, a clap, maybe some transitional textures. I carve away a lot. It’s easy to have too much noise.

Another part of my process is recording live instruments. I have bags of shakers and various hand drums, tuned percussion, blocks, mbira, balafon, metalaphon, drum kit, guitars, upright piano, all sorts really. I have a working knowledge of these instruments so I always find myself reaching for them to add human personality to the mix.

The Wish You Wish You Made features a fusion of elements from different worlds. How do you conceive the identity of a track, aiming to surpass conventions and create something truly unique?

It’s all down to experimentation and giving myself enough time and space to explore. A little patience and the sound and/or riff will come. In the case of ‘The Wish You Wish You Made’ it came from the textural melodic stuff that I stumbled into through the modular. It’s the moment when I can hear all the other music in my head around the thing I’m hearing through my ears that I know it’s right and worth capturing. I feel that this is a way of self policing or curating so that I’m not going back over old ground. At least not too much. Obviously I have an aesthetic that I lean towards, we all do, but I try to keep moving forwards and pushing outside of my comfort zone as much as possible. Learning a new instrument or interface certainly helps.

"Escape from Luna": what is your relationship with elsewhere and space?

I’m pretty convinced that there’s a lot more going on out there and most probably down here than people realise. Unfortunately a lot of the things I’m interested in get lumped together with conspiracy theory but I’m not bothered about that. Closed minds are hard to open and I certainly don’t have the time to open them. I’m interested in the credible witnesses who have seen or experienced UFO’s/UAP’s. The countless military whistleblowers who have come forward and brought light to the subject. Thousands of sightings all over the world. The accounts and portrayals in our history and our art. It’s been a passion for well over two decades and I’m more convinced now than I ever was. It fills me with wonder about the nature of existence and our future as a species. I really hope we can move past our differences and join together in the peaceful exploration of inner and outer space.

As a musician with such a broad vision, how do you approach music production in the context of rapidly evolving technologies and musical trends? How do you integrate innovation without compromising your artistic vision?

I think ultimately it’s about having or recognising your own narrative. If it’s strong enough it should prevail over all. The thing about music technology is there isn’t that much that is truly groundbreaking. It feels like a large portion of the innovation fit focused on how to make music if you have little musical ability. I think this is a double edged sword. I’m not saying that those people shouldn’t be able to express themselves unless they actually learn how to play an instrument or something, there have been so many amazing albums produced by people who probably can’t play a note. However, I’m saying that the market seems to pander towards making music just about clicking buttons that do everything for you. Chord generators. Midi packs. Loops, beats and sample libraries galore. I wonder if we lose our way in all this technology and lose sight of the journey and the struggle. Everybody want’s instant gratification. For me there’s no truth in that. There’s no growth. Only some kind of pseudo validation that ultimately amounts to nothing.

With this being said, I try to stick to the instruments and the hardware. There has to be a challenge for me. By using limitations I create a puzzle that I need to solve. I think that’s why I finish tracks. My OCD brain won’t let go of the problem until it’s fixed. Innovations in technology only interest me when they offer a new interface of expression combined with a truly new sound. I think that’s why I resonate with modular so much, because I can build my own interface and quickly create parameters/limitations with which to work in.

Your tracks appear to navigate between bright atmospheres and sonic darkness. How do you play with this contrast between light and shadow to create a unique experience in your compositions?

Tension and release. I think playing post rock in the early days of my old band Vessels and listening to the likes of Mogwai, Mono, This Will Destroy You, Explosions In The Sky etc, have a lot to do with it. It teaches you how to bring hope from despair or euphoric release from the pits of darkness. Not just in terms of arrangement but also in timbre and the balance of musical phrasing. I’m not sure I’m doing it consciously these days. Rather I’m just trying to remove over analytical traits in the writing process and let some free association occur. I worry about the arrangement later but if I let myself go, so to speak, then I seem to tell a story without having to over think it.

Looking to the future, how do you envision your artistic journey evolving? Are there new territories you wish to explore?

I listen to a lot less electronic music these days which is having a positive impact on my writing. I draw a lot from traditional African, Indian and South American sounds, rhythms, melodic structures and patterns, timbres etc. I have a new band called ‘A Brief Utopia’ which released an EP last year (out on Scene Unseen). I’m very excited about the album release this summer as well (out on Earthly Measures). This is definitely an area I want to explore a lot more. Both aesthetically but also playing live as a musician again. I’m fortunate to have some excellent players around me and we’re all very much looking forward to doing some shows later this year.

In terms of my current solo stuff I think I’ll keep exploring the hardware and push for more EP’s next year and an album after that. I’d also like to make more connections and collaborations and push my own little label ‘Making Friends’. I’m also working on a live A/V show for ‘Jinjé’ very much inspired by playing a few shows with Max Cooper. Along with Anthony at Mesh, he’s been a great source of inspiration and support over the last couple of years. Also a shout out to Delay Grounds and Yaw Evans. If you haven’t heard their music go check them out.