Alessandra Vuillermin: The Digital Realm as a Living Dimension

In the contemporary graphic design landscape, few artists manage to transform the digital realm into an experience as intimate and visceral as Alessandra Vuillermin.

Her research goes beyond aesthetics and technique: it is a deep dialogue with the material, a fluid language that moves between control and surrender, precision and chaos.

While the virtual universe is often perceived as cold and algorithmic, for Vuillermin, it is a living refuge—an extension of her sensitivity. Her works are not mere representations but fragments of a timeless imaginary, suspended between memory and projection. A territory where error is not an obstacle but a generative force, capable of unlocking new visual possibilities.

In an era where artificial intelligence and market dynamics are redefining creativity, Vuillermin resists conformity, preserving her vision intact. Her design does not chase the future, but it embraces the present; it questions, traverses, and reinterprets it, transforming it into a reflection of a collective sentiment.

Alessandra Vuillermin’s work is not just design. It is an act of artistic resistance, a relentless search for new visual languages, a bridge between the invisible and the digital, between dream and technology.

Hi Alessandra, welcome. How would you describe your relationship with digital matter? Do you see it as a tool to be shaped by imagination, or do you perceive it as a living dimension, capable of dialoguing and co-creating with you?

Hi Andrea, thank you for the question, although answering it is not easy for me. My relationship with digital matter is profoundly intimate, a bond I have built since childhood and that I guard closely.

I have always experienced the digital realm as a refuge, a place where I could feel represented and included, unlike the reality around me.

For me, it is a living dimension—one that has probably given me far more than I have given it. Summarizing what it means to me in just a few words would not do justice to the emotional depth of my connection to the digital world.

What is the boundary between chaos and order in your work? Do you try to control this tension, or do you deliberately leave room for the unexpected to discover new directions?

In the past, my process was pure chaos—I lacked the technical foundation to create what I envisioned, but I did my best with the tools available, always striving to improve the outcome. Over time, I developed greater technical awareness, but in doing so, I lost myself in the pursuit of an unattainable perfection.

Today, I am trying to rediscover the unpredictability of chaos to bring more soul back into my work.

For you, is creation more of a journey to discover the world around you or a deep exploration of your inner universe?

Perhaps neither, or rather, at first, creation was simply a need and a curiosity—something I did for myself, without overthinking it. Now that it has become my profession, I sometimes find myself lost in questioning the purpose of what I create, as most of my time is spent designing for others. However, my creative journey has undoubtedly helped me be understood and accepted by others in a more digestible way.

What role does error play in the creative process? Do you see it as an obstacle to overcome or as an essential element for experimentation and new discoveries?

The mistakes I once felt ashamed of, and my technical inexperience compared to my peers, paradoxically turned out to be what made my work recognizable and appreciated. Today,

I am trying to regain the courage to make mistakes in order to improve, without fearing the judgment of the industry I work in.

In a world where design and art are increasingly tied to marketing and communication, how do you manage to preserve the integrity of your artistic vision?

Honestly, I have never considered myself an artist. An artist, whether they like it or not, is inevitably part of the market. Despite the commercial projects I have worked on, financial gain has never been the driving force behind any of my projects, whether branded or personal.

For me, the digital realm is almost a belief system—something I engage with naturally and sincerely, without compromise or constraint.

Do you see AI as an extension of artistic capabilities, or as an autonomous force that could redefine the role of the artist? Is there a risk of losing part of one's identity, becoming mere instruments of algorithms?

I have never shared the fascination that many have for AI and the market that has emerged around it in the past two years. Personally, I don’t find it an interesting world; in fact, I see it as lacking originality, in addition to the ethical issues regarding copyright and the lack of recognition for artists whose works are used as training data for these systems. I understand the appeal of generating images in seconds without needing any technical skills, but to me, it is not an ethical tool.

Your works seem to anticipate futuristic visions. How much of your creative process is driven by the projection of a possible future, and how much, instead, is a critical reinterpretation of the present?

My production is always very instinctive and often references images or situations that are personally significant to me, even if this may not be immediately apparent when looking at my work.

The present certainly influences my emotions and prompts me to sit down at my computer to develop new concepts or projects.

However, in general, I believe my work is more an expression of an imaginary world that represents me, regardless of its temporal context.

ITALIAN VERSION

Alessandra Vuillermin: il Regno Digitale come Dimensione Viva

Nel panorama del graphic design contemporaneo, pochi artisti riescono a trasformare la dimensione digitale in un’esperienza tanto intima e viscerale quanto Alessandra Vuillermin.

La sua ricerca non si limita all’estetica né alla tecnica: è un dialogo profondo con la materia, un linguaggio fluido che si muove tra controllo e abbandono, precisione e caos.

Se l’universo virtuale è spesso percepito come freddo e algoritmico, per Vuillermin è un rifugio vivo, un’estensione della sua sensibilità. I suoi lavori non sono semplici rappresentazioni, ma frammenti di un immaginario senza tempo, sospesi tra memoria e proiezione. Un territorio in cui l’errore non è un ostacolo, ma una forza generativa, capace di dischiudere nuove possibilità visive.

In un’epoca in cui l’intelligenza artificiale e le logiche di mercato ridefiniscono la creatività, Vuillermin rifiuta l’omologazione, mantenendo intatta la sua visione. Il suo design non insegue il futuro, ma il presente: lo interroga, lo attraversa e reinterpreta, trasformandolo in un riflesso di un sentire collettivo.

Il lavoro di Alessandra Vuillermin non è solo design. È un atto di resistenza artistica, una ricerca incessante di nuovi linguaggi visivi, un ponte tra l’invisibile e il digitale, tra il sogno e la tecnologia.

Ciao Alessandra, benvenuta. Come descriveresti il tuo rapporto con la materia digitale? La consideri uno strumento da plasmare seguendo l’immaginazione o la percepisci come una dimensione viva, capace di dialogare e co-creare con te?

Ciao Andrea, grazie per la domanda, anche se per me rispondere non è semplice. Il mio rapporto con la materia digitale è profondamente intimo, un legame che ho costruito fin da bambina e che custodisco gelosamente.

Ho sempre vissuto il digitale come un rifugio, un luogo dove sentirmi rappresentata e inclusa, a differenza della realtà che mi circondava.

Per me è una dimensione viva, che probabilmente mi ha dato molto più di quanto io abbia dato a lei. Riassumere cosa significhi per me in poche parole sarebbe riduttivo, perché il mio legame con il digitale è prima di tutto emotivo.

Qual è il confine tra caos e ordine nei tuoi lavori? È una tensione che cerchi di governare o lasci volutamente spazio all'imprevisto per scoprire nuove direzioni?

In passato, il mio processo era puro caos: non avevo le basi tecniche per realizzare ciò che immaginavo, ma cercavo comunque di arrangiarmi con gli strumenti a disposizione, tentando sempre di migliorare il risultato. Poi, con il tempo, ho sviluppato una maggiore consapevolezza tecnica, ma in questo percorso mi sono persa nella ricerca di una perfezione irraggiungibile.

Oggi sto cercando di ritrovare quell’imprevedibilità del caos, per restituire più anima ai miei lavori.

Per te, creare è più un viaggio alla scoperta del mondo che ti circonda o un’esplorazione profonda del tuo universo interiore?

Forse nessuna delle due, o meglio, inizialmente creare era semplicemente un bisogno e una curiosità, qualcosa che facevo per me stessa, senza troppe sovrastrutture. Oggi, essendo diventato il mio lavoro, a volte mi perdo nel cercare un senso in quello che realizzo, perché il mio tempo è sempre più dedicato alla creazione per gli altri. Sicuramente, però, il mio percorso creativo mi ha aiutata a farmi comprendere e accettare dagli altri in una forma più accessibile.

Che ruolo ha l'errore nel processo creativo? Lo vedi come un ostacolo da superare o come un elemento essenziale per sperimentare e scoprire nuove possibilità?

Gli errori di cui un tempo mi vergognavo e la mia inesperienza tecnica rispetto ad altri colleghi si sono rivelati, paradossalmente, ciò che ha reso la mia produzione riconoscibile e apprezzabile. Oggi,

sto cercando di recuperare quel coraggio di sbagliare per migliorare, senza lasciarmi frenare dal giudizio dell’industria in cui lavoro.

In un mondo in cui il design e l’arte sono sempre più legati al marketing e alla comunicazione, come riesci a preservare l’integrità della tua visione artistica?

Sinceramente, non mi sono mai definita un’artista. L’artista, volente o nolente, è parte del mercato. Nonostante i progetti commerciali a cui ho lavorato, il fine economico non è mai stato il motore dei miei progetti, né brandizzati né personali. Per me, il digitale è una sorta di credo, qualcosa che vivo in maniera naturale e sincera, senza compromessi o costrizioni.

Vedi l'AI come un'estensione delle capacità artistiche o come una forza autonoma che potrebbe ridefinire il ruolo dell'artista? C'è il rischio che si possa perdere una parte dell'identità personale, diventando strumenti di algoritmi?

Non sono mai riuscita a condividere la fascinazione che molti hanno per l’AI e il mercato che si è sviluppato negli ultimi due anni. Personalmente,

non lo trovo un mondo interessante: lo vedo povero di originalità, oltre a presentare enormi problematiche legate ai diritti d’autore e al mancato riconoscimento degli artisti i cui lavori vengono utilizzati per addestrare questi sistemi.

Capisco il fascino di creare immagini in pochi secondi senza saper usare alcun software, ma non credo sia uno strumento etico.

Le tue opere sembrano anticipare visioni futuristiche. Quanto del tuo processo creativo è guidato dalla proiezione di un possibile futuro e quanto, invece, rappresenta una reinterpretazione critica del presente?

La mia produzione è sempre molto istintiva e spesso fa riferimento a immagini o situazioni che mi sono care, anche se non è immediatamente intuibile guardando i miei lavori. Sicuramente,

il presente influisce sul mio stato d’animo e mi porta a sedermi al computer per lavorare su un nuovo concept.

Ma in generale, credo che il mio lavoro sia più una rappresentazione di un immaginario che mi appartiene, indipendentemente da una precisa collocazione temporale.